17世纪在西欧的文化史上是个十分重要的时期。以树立人的尊严、解放人的心智，确信人的价值和能力为基本内容的文艺复兴运动结束了，两股新的文化潮流代之而兴，一股是巴洛克（Baroque），一股是古典主义。
巴洛克是天主教反宗教改革运动的文化，发轫于意大利罗马，主要服务于教皇和教廷贵族，后来传播到天主教国家，如西班牙、奥地利和德意志南部。古典主义是统一的民族国家的宫廷文化，发轫于法国，主要服务于国王和宫廷贵族，后来传播到新教国家，如英国，尼德南和德意志北部。巴洛克建筑艺术的主题和题材多是宗教性的，古典主义则多世俗的和古代异教的题材，用来颂扬君主。巴洛克的代表作是天主教堂，而古典主义的代表作是宫殿。
巴洛克文学和艺术是反理性的，力求突破既有的规则；古典主义文学和艺术高扬理性，企图建立更严谨的规则。巴洛克艺术强调动态和不安，追求个性，不免做作；古典主义则强调平稳和沉静，追求客观性，不免教条化。巴洛克的艺术重视彩，喜欢用对比，认为比形更重要；古典主义的则重视构图和形体，认为形比更有价值，喜欢用调和。巴洛克艺术追求绘画、雕刻和建筑的融合，消泯它们的边界；而古典主义则三者各自独立完成，虽然讲究它们的和谐，但建筑只是绘画和雕刻的框架。巴洛克艺术变现空间和体积，不惜用虚假的手段，古典主义则拘谨地写实。当时意大利使人马里
诺（D.B.Marino,1569－1625）说：“引起惊讶，这是诗在世间的任务，谁要不能使人吃惊，就只好去当马夫。”巴洛克建筑师也力求自己的作品引起人们的惊讶。
但巴洛克和古典主义仍旧互相渗透。例如，在建筑中，巴洛克教皇虽然力求变化还喜欢使用严谨的柱式；古典主义建筑中，也常常使用巴洛克的变化。以致有相当多的艺术史家，把古典主义也归属到巴洛克之中。但它们的文化内涵其实是很不相同的。
巴洛克和古典主义建筑最初都发生于意大利文艺复兴晚期。巴洛克由“手法主义（mannerism）”演变而来，也标榜古罗马建筑的一些活泼的变体，手法主义的宗师是米开朗琪罗，它希望有所突破，有所创新，不惜矫揉造作，例如使用麻花式的柱子或者使龙门石从它应该的结果位置上向下滑移。古典主义从学院派演变而来，学院派的宗师石帕拉弟奥（Andrea Palladio,1518－1580），它拘泥于古希腊和古罗马的典范，并且醉心于制定规范。手法主义和学院派都是艺术达到十分辉煌之后的产物，后人在前辈的伟大成就笼罩之下，不是去奴性地模仿，就得冒风险跳出窠臼。当创造新风格的客观物质条件不具备又没有新的思想内容的时候，就会只在形式上徘徊。不是出奇制胜，就是僵化。但到了17世纪，它们都有了新的历史内容。
打退了意大利巴洛克的法国古典主义其实也来自意大利。意大利文艺复兴盛期和晚期，一方面有帕拉弟奥规范化的柱式建筑，一方面有米开朗琪罗阔大不羁的自由变化的柱式建筑。到了晚期，建筑师的
创造力有所衰退，历史机遇也不多了，建筑中就出现了两种倾向，一种是学院派，进一步把柱式教条化，一种是手法主义，企图挣脱柱式教条而趋向新奇。前者由法国人继承，在新的历史条件下发展为古典主义，后者由意大利人发展为巴洛克。意大利巴洛克形成在天主教会的反革命浪潮中，而法国古典主义则形成在民族国家的中央集权专制制度之下，是法国的宫廷文化。sweet delight
15世纪中叶，百年战争结束，法国的城市重新发展，产生了新兴的中产阶级。中产阶级的经济利益要求消除封建领主纷立的混乱局面，要求国家统一和安全。15世纪末，在中产阶级支持下，国王统一了全国，建成了民族国家。王权逐渐加强，被百年战争延误了的文艺复兴运动一开始就遭遇王权，被王权利用，从16世纪下半叶起产生了早期的古典主义。到17世纪中叶，路易十四（Louis XIV,1643－1715在位）统治下，王权演化成绝对君权，阿爸歌词
早期古典主义也就演化成古典主义的宫廷文化。
古典主义又是唯理主义的。17世纪，正是自然科学大踏步前进，开始改变人类的认识和思想的时期。数学、物理学、化学、力学、天文学、生物学、解剖学都咬破了神学的厚茧，有了自己的基本方法和观念，着手建立体系。于是，哲学中产生了唯理主义和实证主义（经验论），它们各自反映着自然科学初期的一方面状态。在法国，笛卡尔（Rene Descartes,1596－1650）的唯理主义占了上风。笛卡尔认为，可观世界是可以认识的，强调理性在认识世界中的决定作用。但是，笛卡尔不承认感觉经验
的真实性，认为只有天赋的理性才是“绝对可靠的”，只能以它作为方法论的唯一基石。他认为几何学和数学是无所不包的、一成不变的、适用于一切只是领域的理性方法。
唯理主义作为宫廷文化的哲学基础，这是因为，中央集权的统一国家削平了封建领主几百年的割据，建立了在专制君主之下的秩序和海外贸易，保证了境内的治安，一度停止了对新教徒的迫害，因此，君主的中央集权政体赢得了中产阶级的支持。笛卡尔就是个君主主义者，他认为，君主专政的社会和政治制度是有秩序的，体现了理性的力量，君主是普遍理性的最高体现者。唯理主义放映了国家当时的政治需要，它便顺利成章地成了宫廷文化的思想武器。
唯物主义的宫廷文化，这就是古典主义。
在建筑、文学和艺术创作上，笛卡尔主张制定一些牢靠的、系统的、能够严格地确定的艺术规则和标准。它们应该是理性的，完全不依赖于经验、感觉、习惯和口味。艺术中重要的是：结构要像数学一样清晰明确，合乎逻辑。笛卡尔反对艺术创作中的想象力。这些观念早在16世纪中叶就已经在意大利的学院派引进了。笛卡尔给这种潮流以哲学的基础，促进了它的发展。
作为宫廷文化的古典主义，越来越脱离人民，一味追求典雅。崇高、庄严，以致渐渐变得像王权一样冷峻、傲慢而凌人。它固有的学院式教条主义倾向叶越来越僵化，建筑一位追求外表的比例、权衡，不再表达思想感情，古典主义终于进入了失语状态。18世纪和19世纪初，欧洲处于剧烈的动荡形势下，宋慧乔玄彬
艺术和文学都追求思想和感情的强力抒发，古典主义便衰退了。到了19世纪中叶以后，欧洲和北美各国掌握了政权的资产阶级大师建造政府大厦和各种公共建筑、四平八稳、典重尊贵的古典主义模式有被普遍应用，这时成为新古典主义。法兰西美术学院的建筑观念和教学体系因此影响了全世界，法国从意大利夺来了领导欧洲艺术潮流的荣耀。
古典主义的特质、美学观及其执行方法在希腊罗马时期便已奠定了稳固的视觉基础，而文艺复兴时期更将此传统，以多元化的方式结构为理智的规范，使其强劲的力量在经历了两千多年之后，还能够持续其统一的型式、严密的结构及规律的秩序。
安以轩演的电视剧1、解剖学
古希腊哲学家亚里斯多德在公元前第四世纪时，便开始解剖动物，以探询感观察觉得真实世界；而公元十三世纪初，波隆纳(Bologne)成立了第一所医学院，艺术家们则学习从解剖中研究人体内部的组织、肌肉与骨胳来认识身体结构；并以深入探索人体结构，来突破外在表现的视觉局限性。阿尔伯迪(Leon Battista Alberti, 1404-1472，意大利建筑师、艺术家、音乐家兼诗人)在一四三五年便曾主张，艺术家必须要从解剖人体来学习基础的绘画：从早期肌肉结构的练习，描绘出矫作的人体，到后来成熟的自然表现，人体解剖学已成为艺术家们在描绘人体时所必需的能力。到了十六世纪早期，人体解剖学则成为佛罗伦萨所有艺术家们最为感兴趣的学科，达芬奇曾以惊人数量的素描作品来研究并练习
人体解剖图，使他的油画作品能够以优雅自然的形象给我们完美无暇的视觉经验。而米开朗基罗的作品则因个人表现主义的伸张而出现了肌肉贲张的男女人体，甚至在描画婴孩时，其肢体也不例外地以夸张健美的肌肉来表现，毫无掩饰地流露出对于解剖学的热爱。
2、透视学
为了使平面能够成功地呈现出三度空间，文艺复兴的艺术家们研发了各种透视法，有些根据实际观察，一如传统的古典主义者，有些则根据的几何的机械方式来测量。实际观察者来自观者的视觉经验，能够表现主观的观点，如安德里亚·曼坦那(Andrea Mantegna) 所画的《圣詹姆斯的处决》便是将视点放在图画下方界线之外，造成了从下望上看去的崇高、大胆且具戏剧化之构图。而根据几何的机械式测量则以一点或两点消失点来辅助透视的表现，以空间上所假设的消失点来使画面产生具有渐进深度的三维效果。
机械式透视依据着理论概念，在视觉上容易造成不自然的效果；然而，若与实际观察相结合，艺术家便能够更有条理且自然地表现空间，使平面出现深度，使人物的比例合乎此空间结构，使人与物的体积与空间关系相互调和，写实的描绘表现因此得以达到更趋完美的地步。如拉菲尔在《雅典学院》所所描绘的建筑物、地板、楼梯、以及人物比例，均一丝不苟地根据透视法来结构，以表现有深度的空间感。透视原理的应用在文艺复兴的艺术表现上，因能够协助表现三度写实空间，而成为极受重视以及普遍运用的古典技法。
3、艺术家即科学家
文艺复兴的艺术家如科学家一般，对观察与研究自然现象有着极大的兴趣。而这些观察与研究所得的资料和过程，更帮助他们在作品上追求细节、精致与正确的表现。
个中最著名的例子还回到达芬奇，他对人体有着极为丰富与深入的研究，对于生殖的过程探讨也有相当的兴趣，故当他研究男性与女性的生理结构时，曾以植物的生殖方式来对照人类的，除了将内脏毫无遗漏地描绘出来，更以科学分析的研究观察来比较与纪录其中的细节，将所承传的古典传统做更深入和明确的表现，而这亦是他长久以来在绘画表现上所依据的能力。
结合着多重领域的科学研究，文艺复兴的艺术家将绘画与雕塑的古典认知带领到最高技术表现的境界。
4、追求完美的观念
完美的空间结构不仅来自透视学的辅助，也靠着艺术家所累积的观察经验；完美的人体表现不仅要靠比例上的正确组合，也要靠解剖学上所归纳整理的肌肉与骨胳结构。对于文艺复兴的绘画与雕刻来说，“人”与“空间”之间的关系代表着个人对现世的认同与探索，而追求完美的观念，则需透过理性认知，以能够理想化现实生活中不够完美的状况。
李菲儿安宰贤
米开朗基罗将《大卫》以人体理想化了的结构，以及符合标准美感的肌肉结构，来歌颂这位佛罗伦斯的守护神；拉菲尔在《亚典学院》中，则将一先知依照他们的重要性，前后和谐地安置在无误的透视空间；而达芬奇更于《蒙娜丽莎》中，将人物以金字塔型的构图安置在画面正中央，以“空气透视”法表现背景的大自然，以无懈可击的黄金比例、光线与颜面来描绘女子安详神秘的神情。
5、追求和谐的信念
文艺复兴的人认为人类不仅在艺术上，在生活上也必须要平衡自己多方面的才能与兴趣，达芬奇曾说：“可知我们的灵魂是以和谐为原则所构成的？当我们对事物各部分结构的关注有同等之比重时，和谐自然产生。”
达芬奇在生活上追求和谐的信念，在《巨匠的年代》这部电影中有着明确的表现：片中一幕是达芬奇正在工作室绘制《蒙娜丽莎》，音乐家在一旁弹奏音乐，达芬奇放下画笔去研究他搁于一旁未完成的发明，一会儿去弹奏乐器，一会儿又再回到画布前。这些举动不论是重叠发生，或是前后发生，皆营造出工作室与生活中的和谐美感。
文艺复兴的人对于自己才能与兴趣的驾驭，就像是宇宙主宰驾驭着围绕在轨道上的星星，井然有序且持续不间断的，他们相信人能够掌握宇宙间的平衡与和谐。
当一种艺术形式产生了所能产生的杰作之后，当它有了完满的发展时，它决不会长留在一种无可更易的规范中。艺术家必得要寻别的方式，别的出路。在米开朗琪罗之后，再要产生米开朗琪罗的作品，是不可能的了，有人曾经尝试过，而他们的名字早已被人遗忘了。
在别一方面看，要产生同样强烈的艺术情绪，必得依了一般的教育程度而应用强烈的方法。凡是在乔托或弗拉·安吉利科的天真的绘画之前感动得出神的民众，定会觉得米开朗琪罗的艺术是过于强烈了，而米开朗琪罗的同时代人物，亦须用了极大的努力方能回过头去，觉得十四世纪的佛罗伦萨绘画不无强烈的情绪。因此，在拉斐尔与米开朗琪罗之后，应当以更大的力量来呼号。
到了这个地步，当必得要以任何代价去吸引读者或观众的时候，当一个艺术家或诗人没有十分独特的或新颖的视觉的时候，他们不得不乞灵于眩惑耳目的新奇怪异与强力，或者是回到一种精微的简朴而不成为纤巧。这是词藻与彩的夸张，感情的强烈与痛苦。
巴洛克风格开始于16世纪的最后25年，于18世纪结束。“巴洛克”一词源于葡萄牙语（Baroque），原意时畸形的珍珠。它无论如何也是一颗光华耀眼、散发奇异光芒的珍珠，尽管它是畸形的。巴洛克风格是夸张的、不自然的、具有很强的装饰性，然而它却有着很强的说服力，使人能够很容易的接受它。
巴洛克是由“手法主义”演变而成的，它所表现出来的特点是紧张、活力、艳丽、夸张、豪华、这些特
征不仅是在绘画、雕塑、建筑物等静态艺术中得到体现，而且在音乐等动态的艺术中也得到体现。动感、紧凑、多彩、过度扩张，甚至奢华，乃至于怪诞，都是巴洛克风格在艺术领域中革新而所获得的成果。这些强烈的艺术效果，一下子就刺激到人们的神经。文艺复兴时期盛行的约束、克制、协调、注重关系的原则被完全打破。
关于巴洛克的深层含义，事实上是由相互独立的一些要素和背景所构成的。用最简单的语言阐述，就是巴洛克艺术最主要的资助者可以分为下列三类。反对宗教改革的罗马教会；法国路易十四王朝和英国斯图亚特王朝的宫廷贵族；荷兰的中产阶级商人。这三类资助人的需求是完全不同的。但在艺术形式的体现上却是相同的。因而，我们可以归纳说，巴洛克艺术是反对宗教改革的、贵族和宫廷的、中产阶级喜爱的艺术。《圣经》中说，上帝按自己的形象创造了人，实际上人们是按自己的形象想象出上帝。人们把巴洛克风格的建筑按照自己的意志大量应用到了教堂建筑中，使那些原本朴素的教堂变成了以彩绚丽的金、银、大理石以及雕刻、绘画等装饰的建筑。
巴洛克艺术的风格是承袭自文艺复兴末期的矫饰主义，着重在强烈感情的表现，强调流动感、戏剧性、夸张性等特点。常采用富于动态感的造型要素，如曲线、斜线等，其风格趋向，多少也反映了当时欧洲的动荡局势、不安而丰裕的现实景象。
建筑方面，装饰华丽，古典的样式和曲式、曲线并用，椭圆形大厅、圆形屋顶颇为常见；注重建筑物
四周景观，有广场、庭园、喷泉等的搭配。如著名的法国凡尔赛宫、罗马圣彼得大教堂，就是这时期的代表性建筑物。
雕刻方面，富于动感，表现出流畅复杂的戏剧性效果：常和绘画混合应用，并于建筑相结合，成为建筑物内外的装饰，贝尔尼尼（Bernini）为圣彼得大教堂所做的雕像即为代表。
绘画方面，追求画面动感，常出现对角线、弧线等构图方式；并运用明暗对比老描写物体和统一画面，产生戏剧性的光影和彩，如卡拉瓦乔（Caravaggio）、鲁本斯（Rubens）、拉突尔（La Tour）、林布兰（Rembrandit）等人的作品，都是典型的作品。巴洛克时期的绘画除了绘于教堂内的顶棚（天花板）之外，独立存在静物画、风景画、肖像画与大为流行。
综上所述，巴洛克艺术大致有如下一些特点：无论是建筑、雕刻、绘画都强调豪华感、激情感、运动感、空间感和立体感，有时还带有神秘感。雕刻和绘画多表现宗教题材。
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