■ 冯 艳 长沙交响乐团有限责任公司
〔摘 要〕随着古典主义不断发展，室内乐大提琴也逐渐成为独奏我是猪八戒
乐器出现在艺术的舞台，以其沉重丰富的音，带给人如阳光般的温暖，
被大众所熟知。本文以古典主义时期室内乐大提琴演奏的技法为题进
行探讨。
〔关键词〕古典主义时期；室内乐；大提琴演奏
蝴蝶飞歌词随着辉煌的巴洛克时期被历史缓缓地翻篇，音乐史迎来了崭新的篇章——古典主义时期。这个时期非常短暂，前后仅有几十年的时间，但这并不影响它在音乐史上的重要地位。
一、古典主义时期（1750-1820）室内乐大提琴的发展历程
古典主义时期的音乐具有均匀和谐、清新典雅的特点，让人听后如沐春风。这个时期出现的享誉世界的音乐家海顿、莫扎特、贝多芬，被公认为“古典三杰”。莫扎特的音乐被称为“永恒的阳光”，欢愉且畅快，
仿佛置身于无忧的世界，具有天使般的灵性；贝多芬是最具有传奇彩的音乐家之一，他命运多舛，但对于音乐的挚爱却永不停息，他不受之前的严苛标准束缚，重视情感的自然表达，风格多种多样，他的作品有很多与室内乐大提琴相关的元素。早在《第二大提琴与钢琴奏鸣曲》中，我们就能看到大提琴的身影，因此可知，大提琴在古典主义时期就已成为独奏乐器了。
“室内乐”一词大致意为“在房间里演奏的音乐”，源于欧洲贵族在客厅里设宴演出，以及平日家庭成员合奏，因此规模不会太大，小至两三人，最多也就十几个人。乐器的多少也有讲究，通常不设指挥一职。室内乐的演奏不同于协奏曲或交响乐，由于乐器数量少，有时每部分只有一个演奏者，所以每个乐器都发挥着重要的作用。室内乐大提琴在其中是最为重要的乐器之一，它的整个音偏低，属于低音乐器，演奏时声音低沉有力，尤其适用于宛转悠扬的曲目，来表达作曲者与演奏者的心境。
二、演奏技巧与方法
pray justin bieber大提琴以声音温暖人心被大家所熟知，在众多繁杂的乐器中脱颖而出。它的声音悠扬，像阳光拂过脸庞，轻轻地、不露声地留下一片温柔的痕迹，为广大音乐爱好者所钟爱。高超的演奏技巧更可以使大提琴恰如其分地诠释丰富的情感，使音乐深入人心，如绕梁三日，余音不绝。然而，完美地演奏大提琴曲并不是一朝一夕的事情，我们要始终如一地关注其演奏技巧和方法。
1.左边肢体手指演奏技巧与方法
（1）指间的延伸与跳跃度
皮克特奥特曼乱舞春秋大提琴的总体演奏技法难度偏高，因此对于左手的控制也相应要求更加严格。随着古典主义时期的不断发展，音乐格调也随之不同，弹奏方法也有很多改变。譬如，左手的演奏技巧已经从把位上拓宽并且得到了较快的发展。因此演奏者平时加强对拇指的训练和姿势的纠正则显得更加重要。
（2）音域的起伏与节奏
一些演奏者常常把“还原”当作最好的技法，一模一样地进行复制，完成演奏，这样的演奏效果表面看起来很好，但往往缺乏灵动性，思想和情感没有得到充分展现，因此，为了更好地表达自己的情感，演奏者可以对曲谱进行适当的调整，使其更加适合自己的指法习惯，结合自己的风格，对原有的曲子进行创新，使其展现不同的韵味。在对左手技法的把控上，应考虑同音阶时，高低把位的弹奏，如一些演奏者根据自己的演奏习惯进行适当改良，为突出表演的力度，会选择快慢结合，力度强弱对比等呈现出有活力有生机的演奏效果。
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黄
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大吕46（3）装饰音的出现与发展大提琴音多样，情感饱满，可以在低音队伍中发出低沉的声音，也可在中音（G、D）中充当中音
支柱。装饰音的使用可以使情感的表达更为丰富，技法的使用更为流畅，同时可以深刻地表达出曲子的风格。前期的古典主义表演风格受到巴洛克时期的影响较为深远，但装饰音却早已存在，经过古典主义自身的不断发展，越来越多的创作者不满足于现状，想要改变一些技法以此来使自己的作品能够在众多作品中脱颖而出。简单来说，就是将手指技法进行改变，自行探索出不同的技巧，例如，将左手技法的固定位置进行变动，高八度或者低八度，但这些并未促进古典主义时期音乐的真正改革，只是对技法有了更高的要求。
2.右边肢体手指演奏技巧与方法
（1） 重视节奏和控制力度
在室内乐大提琴的演奏中，对于指法的力度控制要求更为严格，节奏的把握也相对严苛。节奏的表达也最能展示乐曲风格手段。在古典主义时期，跳音符号逐渐出现在大众视野，跳音顾名思义是指声音短、节奏快的时值音符，这对右手的控制力度也有了更高的要求。演奏时把握好整体节奏，将右手与左手对应的节奏一一对应，防止出现窜音的现象，尽可能做到严谨分配，在室内乐演奏中，大提琴通常可以作为独奏乐器，一旦出现错误，将会很容易被辨别出来，以致影响整个演出的状态。因此，对
于右手指法的控制力很大程度决定了演出的成功与否。
（2）重点掌握爆发力度的控制
爆发力在演奏时给人耳目一新的震颤感，当演奏的曲目千篇一律呈现同一种状态时，某一音的加强会使整个曲子重新爆发出生机，呈现出演出的饱满状态，唤醒听众的视觉神经，演奏者利用这种反差美向听众传达情感。在演奏中有时爆发力呈集中爆发的状态，即在曲子的某一曲段形成强烈对比，瞬间引起高潮阶段；另一种是持续爆发和间接爆发，节奏的快慢，力度的强弱，使曲子变得不再单调，加上无规律的休止符等带来的听觉反差，形成不一样的听觉盛宴。演奏者在发力之余要保持肢体的放松状态，这样才能达到稳定的表演效果。
三、面部情感表达的饱满度
音乐的表现不仅体现在乐曲的表达，表情艺术也在其中占有一定的比例，创作者在创作曲子时往往饱含丰富的情感，而这些正是演奏者需要注意的地方。面部的情感表达是强烈的催化剂，可以让观众快速进入情感体验之中。在早期的音乐创作中，面部情感的表达往往不受到重视，直至古典主义中后期，由于室内乐的形式小，观众不像大剧院那般众多，因此观众与表演者的距离大大缩短，面对面的交流显得更为直接。观众不仅是听觉的欣赏者，更多了一项视觉的欣赏。贝多芬十分重视面部情感的表达，他也被称为面部表情运用较多的演奏者，他的每一篇曲目中都仔细标注了面部情感表达的要求，
我的show
让观众在欣赏美妙音乐的同时，视觉也能完美地跟上乐曲的节奏。
结 语
紧随巴洛克时期的古典主义时期也有属于自己的独特风格，室内乐大提琴的演奏发展也给古典主义时期注入了新鲜的血液。随着社会在不断地发展进步，大提琴的演奏技法也愈来愈受重视，演奏者以严谨的演奏技巧与方法来表达不同的情感与思想，以丰富的表现形式，带给观众视觉听觉双重感官的体验，以不同的演奏风格让人置身于不同的音乐境界。古典主义时期，室内乐大提琴的发展是音乐发展史中不可或缺的重要组成部分。
（责任编辑：刘小红）
参考文献：
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